Del 7 al 11 de septiembre del presente año se efectuó en la provincia cienfueguera el Tercer Encuentro de la Crítica Teatral, dedicado en esta ocasión a la dirección escénica. Este evento, organizado por la UNEAC provincial en coordinación con la Sección de Críticos e Investigadores, constituye una experiencia única en el país que ha encontrado en Cienfuegos continuidad por el interés de sus teatristas en compartir sus procesos creativos y resultados artísticos con los especialistas.

A esta cita asistieron el crítico y teatrólogo Eberto García Abreu, el crítico, dramaturgo y editor de la revista tablas Abel González Melo y quien firma estas líneas. También estuvo invitada Carmen Sotolongo Valiño, filóloga y asesora del Guiñol de Santa Clara. Juntos conformamos un equipo que debatió con los creadores nuestras apreciaciones de las propuestas presentadas.    

Aunque el Taller celebra su tercera edición, nunca está de más reflexionar sobre el sentido del mismo. Todos conocemos que una de las limitaciones que padece nuestro movimiento teatral en provincia es el escaso diálogo –y en ocasiones ausente– con la crítica especializada. Los estrenos de los grupos pasan inadvertidos en nuestros órganos de difusión y análisis, y durante sus procesos de trabajo los teatristas no tienen la posibilidad de confrontar con el criterio especializado. Sólo en el marco de festivales, eventos o giras sus espectáculos logran interactuar con la mirada de los críticos y de esta forma conquistar las páginas impresas o digitales de nuestros diferentes espacios.

Y lo anterior, es decir, aparecer registrado en una publicación teatral, aunque sí es un hecho que estimula, jerarquiza, perpetúa, multiplica y enriquece la práctica artística, no es exactamente el meollo del asunto, lo fundamental radica en que un movimiento teatral sin intercambio con el pensamiento crítico tiende a estancarse, a reciclar problemáticas y deficiencias, a repetir fórmulas, a sorprender cada vez menos en un contexto donde no hay contrapartida o discurso que cuestione, disienta, complemente y enriquezca las diversas poéticas y sus resultados artísticos.         

Uno de los objetivos del Taller Itinerante de la Crítica es precisamente compensar lo anterior. Por esto me extrañó la tensión generada en los debates por algunos creadores, el poco diálogo de ellos hacia nosotros y la ausencia de determinados directores (Compañía de Danza Teatro Oxígeno y My Clown) que privó al auditorio del análisis de sus propuestas. Es válido señalar que el Encuentro con la Crítica no es una visita metodológica a provincia, ni un equipo de expertos para aprobar lo que se presenta en escena y lo que no, ni un comité de selección, sino una posibilidad de descifrar en conjunto las principales interrogantes de los teatristas, los mecanismos que estructuran los montajes, su diálogo con el público, las líneas ideoestéticas que rigen los diferentes colectivos y su tratamiento escénico. Todo en un tono coloquial y con el objetivo de perfeccionar lo alcanzado y lo venidero.

Por ello es de vital importancia una madurez ante estos debates. Madurez que consiste primero en participar, en mostrar sin retorcimientos sus espectáculos, en asistir a las reflexiones que se realicen por encima de cualquier obstáculo, en estar presente cuando se discute la obra del otro, en no sentirse juzgados, destruidos o exaltados, ni utilizar los criterios de los especialistas para alimentar rencillas internas. Pues lo anterior entorpece la intención de la cita y su validez tanto para los creadores como para los críticos, que también salimos privilegiados y aprendemos mucho en el intercambio con la escena y sus hacedores.             

Amárrame la vida y Emuná de la Compañía de Danza Teatro Oxígeno, El secreto del rey de Cañabrava, El túnel de Proyecto Así, El dulce amargo de las vaginas y La balada de la cárcel de Reading de Velas Teatro, Pareja abierta de My Clown y Los pintores no tienen recuerdos de Teatro de los Elementos fueron los espectáculos que conformaron la programación. El grupo titiritero Retablo realizó un ensayo a puertas abiertas de su próximo estreno La mágica y probable historia del cuento que se durmió.

En la mayoría de los colectivos uno de los problemas fundamentales que aparece es la selección del texto y el trabajo con el mismo. Ante la carencia de obras dramáticas contemporáneas nacionales en la provincia, los directores acuden a la fuente literaria (dígase cuento o novela) o a libretos teatrales que versionan de forma muy ineficiente. Lo anterior hace que los montajes generalmente pequen de una excesiva narratividad, acontece muy poco en escena, mantienen intacto el discurso narrativo y lo dinamizan con imágenes mecánicamente construidas.

Esto sucede en puestas como La balada de la cárcel de Reading dirigida por Javier Fernández y El secreto del rey bajo la dirección de Enrique Poblet. La primera es un espectáculo para adultos a partir del texto de Oscar Wilde, donde el director enfatiza el temor ante la muerte, el encierro, el miedo, el dolor humano. Sin embargo, lo hace a través de la concepción de cuatro personajes, presos, que cuentan durante un tiempo excesivamente prolongado, la muerte de un hombre que fue juzgado por matar lo que amaba. Javier reparte entre los cuatros actores el texto casi íntegro de Oscar Wilde, sin atender a las especificidades del discurso teatral y al tratamiento de las nociones de personajes, acción, conflicto, tiempo y espacio. Algo similar le ocurre a la propuesta de Poblet, en este caso para niños. Una historia compuesta de muchas tramas que se exponen pero no se desarrollan, con un final que intenta, a la fuerza, resolverlas todas. 

Aunque en la contemporaneidad, según Patrice Pavis, todo texto es susceptible de una puesta en escena, este no se puede asumir como una entidad fija, sino que se deben crear mecanismos de lectura y traducción de los enunciados textuales a los escénicos, y más si las fuentes de las que se parte no son ni siquiera dramáticas. Y esto lo reafirmo para la Compañía de Danza Teatro Oxígeno, que aunque el programa de mano de sus espectáculos defiende la creación de “una técnica propia”, “una dramaturgia escénica contemporánea y universal a partir de la mezcla de varias fuentes como el ballet, el teatro, la danza contemporánea, el cine, la música, la literatura y la plástica”, en ellos se yuxtaponen todos los discursos anteriores, desprovistos de una coherencia interna. Arráncame la vida lo ejemplifica, pues es una propuesta llena de tensiones entre los distintos referentes y lenguajes artísticos que pretende “ensamblar” y termina por agobiar al espectador, ya que ni siquiera son interesantes las disímiles y pequeñas unidades que la conforman.

El nivel de síntesis fue otro de los problemas presentados durante el taller. Espectáculos muy largos, donde los creadores quieren decirlo todo. Sus enunciados temáticos se mueven en códigos muy abstractos y reiterativos en su tratamiento escénico (El dulce amargo de las vaginas, Arráncame la vida, Emuná, La balada de la cárcel de Reading, El secreto del rey, El túnel). También, asistimos a puestas que tienen que perfilar sus premisas ideoestéticas, pues rayan en la frontera del teatro de aficionados como es el caso de My Clown y su Pareja abierta, simpático texto de Dario Fo, que no despertó ni una sonrisa en el público asistente.

De todas las obras tallereadas tres se destacan por  la indagación y rigurosidad con las que sus directores y colectivos asumen el hecho artístico. El túnel del emergente Proyecto Así, dirigido por el titiritero Christian Medina, es una puesta de títeres para adultos que sorprende por el extraordinario diseño de los muñecos y las diferentes técnicas de manipulación que de forma orgánica articula. Universo grotesco que Christian explota desde su visualidad y que agradecería perfeccionar los conflictos, acciones y diálogos que se tornan muy reiterativos.

La mágica, próximo estreno de Retablo, parte del texto de Norge Espinosa La mágica y probable historia del cuento que se durmió. Un mundo de reyes, príncipes, hadas y castillos, donde los personajes luchan ante el agotamiento del lector e intentan modernizar la historia. Panait Villalvilla a través de la concepción del retablo, el diseño y manipulación de los muñecos ha releído el verso de Norge desde los postulados de una dramaturgia titiritera, que tiene como primer reto traducir en términos de acción las reflexiones estéticas contenidas a nivel de lenguaje en la obra del dramaturgo. Una fábula de alto grado de comicidad en el trazado de los personajes y que se relaciona con la poética de Retablo en su juego y distorsión de los cuentos clásicos.

Los pintores no tienen recuerdos, farsa para clowns de Dario Fo versionada y dirigida por Daysi Martínez, desarrolla con maestría los resortes del género y constituye una muestra de teatro popular hecho a partir del buen gusto, la contención y la síntesis. Un trabajo que parte de una inquietud del público de la comunidad y que su directora ha resuelto en términos artísticos. La nueva propuesta de Teatro de los Elementos se destaca por el desempeño de los actores, en especial la interpretación de María de los Ángeles Agüero y el estrecho diálogo que establece con los espectadores a través del regodeo en lo caricaturesco, lo sexual, lo lúdico en todos los niveles escénicos que estructuran el montaje.

El Tercer Encuentro de la Crítica concluyó el martes 11 en los Jardines de la UNEAC con el acto de clausura moderado por Daysi Martínez, organizadora principal del evento. Críticos y creadores expresamos preocupaciones, anhelos y sugerencias para poner en práctica en futuras ediciones. Agradecemos a la UNEAC y a los teatristas cienfuegueros por sostener este espacio de reflexión colectiva que demanda más atención y prioridad por parte del Consejo y el Gobierno de la provincia. En lo particular, apuesto por la sistematicidad y valía de este tipo de experiencia que ojalá fuera extensiva a las restantes provincias del país. Por el momento, en la Perla del Sur, ya se dispone el camino para un nuevo encuentro.